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sábado, 17 de junio de 2017

Sólstafir - "Berdreyminn"

Post-metal

"Desolación como bandera"

Con su anterior Otta, los islandeses Sólstafir encontraron la tecla perfecta, aquel sonido que había evolucionando desde su primigenio black metal hasta desembocar en un rock con tintes progresivos pero sobre todo con un marcado carácter ambiental, todo inspirado en su amada Islandia, que nos hacía evocar sus fríos y desolados paisajes.

Este nuevo Berdreyminn lleva la evolución de Sósltafir solo un pequeño paso más allá. Mientras que Otta sorprendía de primeras y a la vez presentaba un disco lleno de matices que se descubrían poco a poco, quizás aquí el efecto sorpresa sea nulo y a la vez sigue siendo un disco en el que hay que volver a introducirse para poder desgranar en toda su esencia. No sorprende de primeras pero si gana en calidad a medida que vamos dándole más oportunidades. Puede incluso que al final a pesar de su continuidad vaya un paso por delante y al final signifique llevar el sonido del grupo más allá, algo que en las primeras tomas de contacto no parece que sea así.

En ocasiones también hay algo de inmediatez, con guitarras algo más duras, como en el comienzo del disco, con Silfur-Refur, donde se alternan las partes lentas con las más rockeras. El trabajo de las guitarras vuelve a ser espectacular y la banda disfraza su sonido a veces para hacerlas más ambientales y que beben del post-rock acercándose también al post-metal. Las melodías vuelven a ser un lujo al escuchar a estos islandeses, como ya pudimos apreciar en el adelanto Isafold, donde las guitarras dobladas brillan como nunca.

El tema que más he acabado apreciando y que podríamos decir que se ha convertido de mis favoritos es Hula, explotando como nunca esos ambientes fríos pero a la vez épicos. Mucho tienen que ver esos coros al principio y al final, uno de los momentazos que más he disfrutado. Todo parece avanzar lentamente como en Naros, para en ocasiones recuperar algo de la velocidad de antaño. Esas guitarras acompañadas de una base rítmica poderosa me ha recordado a veces a su anterior Svartir Sandar.

Llegando a la mitad del disco el piano coge un poco más de protagonismo como hacía en Otta pero de nuevo vuelve a mezclarse con esas distorsiones de guitarra que ya empiezan a convertirse en señas propias de Sólstafir. Aunque todo parece transcurrir lentamente, como si el tiempo se parara en ocasiones, hay lugar para notar que su música se va volviendo cada vez más progresiva con el tiempo.

Las guitarras más duras vuelven a recuperarse un poco al final del disco en las dos últimas canciones Ambatt y Blafjall, dejando al disco cargado en su parte final. Incluso hay un pequeño lugar para un riff metalero que suena como nunca para despedirse hasta otra. Para seguir atrapándonos hasta que llegue la siguiente maravilla de estos geniales músicos islandeses. Seguid cantando siempre en vuestro idioma, que nunca os tiente cantar en inglés.

-Lo mejor: Al final te das cuenta que aunque poco llevan su evolución hacía adelante.
-Lo peor: Que de primeras no parezca ser un disco tan bueno como lo era el anterior.

NOTA: 8,5

Tracklist:

1. Silfur-Refur (06:54)
2. Isafold (04:58)
3. Hula (07:07)
4. Naros (07:23)
5. Hvit Saeng (07:22)
6. Dyrajföröur (07:31)
7. Ambatt (08:08)
8. Bafjall (08:00)


jueves, 1 de junio de 2017

Anathema - The Optimist

Rock progresivo

"Cuando sumar es restar"

Intuía el rumbo que iban a tomar Anathema con este álbum, ya en la crítica de su anterior disco, creía que iban a introducir más electrónica después de haberse atrevido tímidamente. Por eso no me sorprendió la primera toma de contacto con este nuevo The Optimist, donde los ritmos pregrabados y algunos sintetizadores ya campan a sus anchas. No obstante pareciera que la banda tampoco es que haya arriesgado mucho en su sonido y normalmente se mueve sin salir de su zona de confort.

El disco funciona como un bloque y tiene cierto toque cinematográfico, sobre todo por esos interludios donde se escuchan pasos o respiraciones para que nos imaginemos una cierta historia. Lo que más me ha llamado la atención son las influencias de Radiohead en estos toques electrónicos de los que hablabamos, Leaving It Behind, el primer tema propiamente dicho obviando la intro, ya introduce esos pasajes y texturas para ir sumando capas y más capas de instrumentos. Recurso este, el de ir superponiendo capas que será norma general para hacer crecer los temas, como sucede de nuevo en el siguiente, Endless Ways.

El tratamiento de las voces me ha dejado un poco descolocado, Lee Douglas vuelve a ser muy protagonista y esta vez Vincent hace un papel un poco más secundario, pero no es eso, sino que mientras en otros discos parecía que exprimían todo su potencial aquí suenan muy acomodadas e incluso las noto muy tratadas en estudio. Otro aspecto que me ha dejado a medias son las melodías, las primeras veces que las escucho me gustan, pero sin embargo se enredan en ellas y no evolucionan, se estancan en la repetición, claro ejemplo es el final de The Optimist que parece que va a dar un cambio en un gran final, pero este nunca llega.

Que poco me gusta la palabra relleno en los discos, pero es que aquí lo hay, se llama San Francisco, donde esas notas de piano se repiten ad infinitum por mucho que la banda meta más y más capas de instrumentos o texturas, el peor tema de todo el disco, así de claro. Can´t Let Go a pesar de ser bastante mejor tema es otro tipo de canciones donde parece que el sumar más implica aumentar la calidad, algo que en este disco no ocurre.

No todo es malo, ojo, Springfield, el primer adelanto, es bastante interesante con esas notas de piano sobre las cuáles se construye la canción e incluso se nota algo de potencia a las guitarras, algo que ya se echa de menos de vez en cuando. Close Your Eyes es preciosa también, a pesar de que no me toca la fibra sensible, no se, ninguna canción aquí lo ha conseguido y eso es una característica muy importante de Anathema. El tufo a Radiohead aquí es demasiado claro, pero no queda del todo mal, pero es que vuelve a terminar sin pena ni gloria.

Disco que me deja a medias en todos los aspectos, las canciones parecen que van a ser grandiosas y se estancan, no crecen, avanzan y cuando terminan te quedas igual. Quizás muchos no estéis de acuerdo conmigo (eso es lo bonito de la música) pero veo a Anathema con un sonido que empezó a desarrollarse en el álbum We´re Because We´re Here y del que parecen no querer salir para no arriesgar. Con las ganas que le tenía a este disco y que me haya dejado así...

-Lo mejor: Hay melodías que dan en el clavo de primeras.
-Lo peor: Esa reiteración por sumar elementos a las composiciones.

NOTA: 6

Tracklist:

1. 32.63N 117.14W (01:17)
2. Leaving It Behind (04:27)
3. Endless Ways (05:52)
4. The Optimist (05:35)
5. San Francisco (05:02)
6. Springfield (05:56)
7. Ghosts (04:17)
8. Can´t Let Go (05:04)
9. Close Your Eyes (03:40)
10. Wildfires (05:40)
11. Back To Start (11:47)






martes, 23 de mayo de 2017

Exquirla - "Para Quienes Aún Viven"

Post-rock/Flamenco

"Para los que áun recuerdan emocionarse"

Como todos sabéis pues es evidente que llego tarde a esta crítica, Exquirla es la unión entre Toundra y Niño de Elche. A pesar de mi tardanza por escribir, ya no solo sobre este disco, sino en general, no podía hacer que dejase de lado el disco más interesante que he escuchado hasta ahora en lo que va de año. Primeramente decir que he escuchado todos los discos de Toundra pero nunca me habían alucinado tanto como aquí; ya del Niño de Elche ni hablamos pues su voz de corte aflamencado me repelía.

Lo bueno de este disco es que la unión de ambas personalidades encajan a la perfección y el disco nos ofrece momentazos que lo hacen una obra brillante, más allá de géneros y derribando todo tipo de prejuicios. Las canciones cuentan con una emoción, una intensidad y una fuerza de una manera la cuál hacía mucho que no escuchaba. Algunas veces este torrente de sensaciones se nos transmitirá a través de la melodías de Toundra, otras a través del sentimiento que le imprime el Niño y también en la combinación de ambas.

Todo va subiendo en Canción de E, a modo de intro, con unos versos recitados, obra del poeta Enrique Falcón, que junto con las guitarras de Toundra enseguida nos mete en esta ola arrebatadora que han creado. Seguidamente comenzará Destruidnos Juntos donde las letras y las melodías vocales se salen, pura fuerza y emoción con una banda que instrumentalmente creo que hace su mejor trabajo y que seguro que les ha venido de maravilla este experimento para ampliar sus inquietudes como músicos. Todo fluye con calma, sin prisa viajando a través de unos textos poéticos que no abandonan la crítica.

Hijos De La Rabía tiene una ambientación magnífica, con esas guitarras que podrían haber firmado un grupo como Tool pero que se ensambla de nuevo con el timbre de voz del Niño. Un tema que crece poco a poco una vez más para que el oyente disfrute sin que sepa que le va a deparar su final. Un final bellísimo, con unos arpegios y melodías de guitarras limpias que ponen los pelos de punta. Nunca disfruté tanto ni me emocioné con un disco de Toundra tanto como en este.

Interrogatorio es una canción corta pero que cumple con la función de hacernos avanzar moviéndonos por el mismo tipo de melodías para encajar con la siguiente, El Grito Del Padre, más experimental en su comienzo con la inclusión de instrumentos de cuerda y voces de fondo. El único pero que puede ponerse en ocasiones es no entender algunas veces lo que se dice, pero bueno, es muy de vez en cuando, lo que no mancha para nada una obra de tal calibre.

Contigo ahonda en la cara más experimental, para mí el momento más bajo del disco pero luego da paso a una de las mejores canciones de todo el redondo junto con la última también. Un Hombre es la fuerza hecha canción, una calma que precede a la tormenta, donde las dos caras del sonido que componen esta música se funden entre ellas para llevar a cabo uno de esos momentos que se nos graban en la memoria a fuego. Lo mismo ocurre con Europa Muda y sus inspiradísimas melodías. Seré pesado, pero vaya letras, hermosas, desgarradoras, que encierran una melancolía y una tristeza que se creen y que se sienten tanto al ser cantadas como al ser escuchadas.

Para que luego se diga que la originalidad en el mundo de la música se perdió hace mucho tiempo. Aún hay momentos en que algunos discos nos cambian para siempre. Este será recordado por mucho tiempo. No se si esta unión habrá empezado y acabado aquí, si así fuera, seguro que la magia de este disco será reconocida aún más en el futuro, si tenemos segunda parte será interesante saber hasta podrán llegar.

- Lo mejor: Todo. Belleza y emoción a través de la música y sobre todo de las letras.
- Lo peor: Esas letras que a veces cuestan entender.

NOTA: 10

Tracklist:

1. Canción de E (02:55)
2. Destruidnos Juntos (08:57)
3. Hijos de la Rabia (09:00)
4. Interrogatorio (01:42)
5. El Grito Del Padre (08:52)
6. Contigo (03:23)
7. Un Hombre (10:00)
8. Europa Muda (10:23)


lunes, 24 de abril de 2017

Mastodon - "Emperor Of Sand"

Metal progresivo

Como cualquier grupo grande que se precie con una larga trayectoria, un nuevo disco de Mastodon siempre está destinado a dividir a sus fans y a generar un poco de controversia. A un lado los que echan en falta a los Mastodon más brutos y progresivos y por otro a los que se decantan por esta etapa más orientada a la melodía. Esta crítica llega tarde y el disco está ya muy escuchado así que todos sabréis que el grupo sigue su evolución, aunque bien es cierto que se recuperan algunos momentos progresivos y también bastante cañeros, todo dentro de una nota predominante de melodía.

A diferencia de Once More ´Round The Sun que entraba de primeras, este nuevo Emperor Of Sand precisa de más escuchas para ir desgranando todo su contenido y es lo mejor de este, ya que el disco va creciendo en calidad y detalles a medida que más nos adentramos en él.

Sin sorpresas para empezar, con un tema como Sultan´s Curse que cuenta con riffs potentes y buenos solos y donde se alternan las voces de los 3 cantantes. Es una canción que une lo mejor del pasado y presente de la banda, una gran potencia sin abandonar la melodía. Sin embargo otras canciones como Show Yourself puede llegar a pecar de simple en estructura, por otra lado cosa que Mastodon poco a poco ha ido decantándose con el tiempo. Se salva por un gran solo y porque no hay que negar que las melodías se nos clavan a fuego en la memoría. Lo mismo con Ancient Kingdom pero esta si que suena más épica y elaborada, mucho más compleja en estructura.

Pequeñas pinceladas del progresivo de su pasado como en Precious Stones con muy buenos estribillos donde las voces vuelven a complementarse, sobreproducidas para no flojear como les suele ocurrir a veces en sus directos. El trabajo de guitarras es espectacular sobre todo por la gran cantidad de sonidos y vueltas de tuerca que encontraremos. Lo mismo en Steambreather, con un riff adictivo que se nos volverá a clavar en la retina y quizás uno de los temas más representativos de este disco.

La parte final es la mejor para mi gusto porque sin abandonar el sonido que predomina el disco, recordemos que este es conceptual como tanto les gusta, nos regalan momentazos más agresivos, como los riffs de Andromeda y cuando aceleran metiendo más velocidad a los ritmos. Scorpion Breath con el gran Scott kelly de Neurosis que prácticamente es cantado por él en su totalidad y donde de nuevo se decantan por una canción corta pero veloz y con mucha fuerza. Jaguar God juega también con la ambigüedad de creernos que una canción lenta cerrará el disco por esas voces y arpegios limpios de guitarra, pero no obstante se enredan en miles de notas de corte progresivo que hace las delicias de su virtuosismo con las guitarras.

Es un disco de más lenta digestión que el anterior, que cuesta que crezca, pero que encierra más tesoros escondidos. De las mejores virtudes que posee este nuevo lanzamiento es que cuenta con un sonido que se convierte en reconocible y a su vez no reniega de la personalidad de la banda.

-Lo mejor: La mezcla entre sencillez y complejidad.
-Lo peor: Algún tema como Show Yorself por ejemplo está metido un poco con calzador.

Tracklist:

1. Sultan´s Curse (04:09)
2. Show Yourself (03:02)
3. Precious Stones (03:45)
4. Steambreather (05:03)
5. Roots Remain (06:28)
6. Word To The Wise (04:00)
7. Ancient Kingdom (04:54)
8. Clandestiny (04:28)
9. Andromeda (04:05)
10. Scorpion Breath (03:19)
11. Jaguar God (07:56)






martes, 28 de marzo de 2017

Immolation - "Atonement"

Death Metal

Vuelta al redil para los americanos Immolation que recuperan su clásico logo para la ocasión. Su potente Death Metal no es que haya cambiado demasiado durante todo este tiempo y larga trayectoria, pero en parte este nuevo álbum si trae de vuelta una frescura que parecía estar diluyéndose con los años.

Sobresaliente producción que destaca todos los aspectos que hacen potente a la banda, sobre todo los ritmos de batería, con un Steve Shalaty bestial a las baquetas donde muchas veces su poderoso doble bombo es el protagonista de las composiciones. Las guitarras no se quedan atrás, notándose una cierta influencia blacker, que se alternan con unos omnipresentes armónicos. Quizás hayan abusado de ellos en muchas ocasiones pero es innegable que suenan amenazantes y además les aporta groove y variedad a los riffs también.

Los temas son muy variados, que es otra de las virtudes del disco, sonando pesados y lentos a veces mientras que en otras se dedican a meterle velocidad y fiereza. Esa velocidad es evidente en When The Jackals Come a base de blastbeats con un cierre que es para enmarcar, con esos redobles y bombo por todo lo alto, salpicado a su vez por una melodías oscuras. Sin embargo hay canciones como Fostering The Divide  que incide más en la pesadez y en la contundencia, con esos riffs siniestros lentos junto con la cavernosa voz.

Como ya dije las guitarras van a "chillar" muchas veces y Rise The Heretics es una orgía de armónicos a tutiplén acompañados también de solos muy en la escuela Slayer. Me encanta lo siniestro y oscuro que es el comienzo y final de Thrown To The Fire jugando con el volumen de la distorsión de las guitarras y como se van sucediendo las partes melódicas de fondo con los ritmos lentos y pesados. Otro temazo es Lower donde de nuevo la batería nos destruye a base de blastbeats imposibles y riffs y solos endiablados esta vez a tope de velocidad.

Una lección de como hacer un buen Death Metal que suene moderno y actual sin recurrir a recursos que se salgan de los cánones del estilo. Si os gusta el buen Death Metal con tintes melódicos e influencia blacker disfrutaréis de lo lindo.

-Lo mejor: Lo claro que suena gracias a la producción.
-Lo peor: A veces abusan un poco de ciertos recursos.

NOTA: 7,5

Tracklist:

1. The Distorting Light (03:14)
2. When The Jackals Come (03:54)
3. Fostering The Divide (03:27)
4. Rise The Heretics (03.41)
5. Thrown To The Fire (04:04)
6. Destructive Currents (04:26)
7. Lower (04:01)
8. Atonement (04:55)
9. The Power Of Gods (03:58)
10. Epiphany (04:22)


jueves, 23 de marzo de 2017

Fen - Winter

Atmospheric Black Metal

Los black metaleros ingleses Fen nos traen su nueva obra bajo el brazo, un disco que hará las delicias de los amantes del black metal de corte ambiental. Sin embargo ese tinte atmosférico que tiene su música se debe a los pasajes de guitarras limpias que se mueven entre el post-rock y algún detalle que mira de lejos al  post-metal y que se suceden con el black metal más moderno, con unas guitarras con un sonido espectacular, todo esto por si fuera poco combinado en unos tema extensos en duración que también tienen mucho de progresivo. Digamos que pocas veces se entremezclan las dos caras, la calmada y la ruidosa,  pero si que se suceden de manera magistral.

6 temas sublimes en sentimiento, que respiran y transmiten desolación en todas sus vertientes. Las guitarras rugen y suenan contundentes en muchas ocasiones, combinadas con la frialdad de las notas melódicas del black metal y con unos riffs técnicos que suman contundencia al resultado y que hace que los ambientes que crea Fen ganen en elegancia. En otras ocasiones la calma sucederá a esa potencia, guitarras limpias que nos transportan a ambientes calmados, oníricos, de esos que transportan a otro lugar. Es un disco muy largo que requiere tiempo y por lo tanto no recomendado a escuchas superficiales pues necesita ser desgranado con calma.

Haría falta una tesis para ir hablando de manera exhaustiva de cada canción así que solo me dedicaré a resaltar para mí los momentos más destacados y que más me han impactado. Como por ejemplo los riffs que se suceden de manera natural en Winter I (Pathway) donde se alternan complejas melodías con mayor contundencia y con ritmos veloces, antes de llegar a la última parte relajada de la canción. La potencia y los palm mutes más cañeros de Winter II (Penance) que sin embargo nunca dejan de respirar oscuridad y decadencia es otro gran momento.

Lo mejor es cuando después de la calma viene la tormenta como demuestra Winter III (Fear) uno de los temas que más me gusta, que tiene de todo y que mejor combina las dos caras del sonido de la banda. Lo mismo que con Winter IV (Interment) que no se queda atrás en espectacularidad, con esas voces limpias bajo un muro de guitarras que te llevan a otro nivel y que aportan mucha originalidad, puesto que sin dejar de sonar a black metal dan un toque de distinción y a la vez inesperado. La técnica de guitarras vuelve a brillar, mostrándo unos riffs técnicos, muy elaborados y que sorprenden como combinan esa contundencia y melodía.

Winter V (Death) también es otra protagonista donde se muestran más violentos todavía si cabe que antes y  nos ataca a base de potencia y disonancia volviéndose más viscerales. No por ello olvidan de vez en cuando las voces limpias, que aunque las guitarras estén a tope de distorsión te transportan a esos lugares de soledad y desolación.

Discazo sublime que arrasa con todo lo que he escuchado este año y una obra maestra que seguro que con el tiempo se convertirá en clásico, para mí ya lo es.

- Lo mejor: La cantidad de sensaciones por las que es capaz de hacernos pasa el grupo durante una canción.
-Lo peor: El título del disco, lo menos inspirado a pesar de que tenga sentido.

NOTA: 9

Tracklist:

1. Winter I (Pathway) (17:07)
2. Winter II (Penance) (10:02)
3. Winter III (Fear) (10:35)
4. Winter IV (Interment) (14:51)
5. Winter V (Death) (12:40)
6. Winter VI (Sight) (09:43)






martes, 14 de marzo de 2017

Pillorian - Obsidian Arc

Black Metal

Trás la separación de Agalloch John Haughm nos presenta el debut de su nueva banda, Pillorian. Parece que John Haughm quería que Agalloch girase más y ensayara más, mientras que los demás al tener otras ocupaciones no podían dedicar tanto tiempo ni tener a Agalloch como la máxima prioridad en sus vidas. Haughm estuvo a punto de seguir con el nombre de Agalloch junto a nuevos miembros, pero al final la formación como tal estará separada por ahora de manera definitiva. La otra parte de Agalloch con Don Anderson tendrá dentro de poco nueva música, el grupo se llamará Khôrada y veremos porque derroteros se mueve.

Centrándonos en Pillorian decir primero que tiene alguna similitud con el sonido de Agalloch, más bien son pequeños detalles en algunas canciones ya que por lo general su música se basa en un Black Metal de corte moderno con fuerte carga melódica y sobre todo más crudo. Hay guitarras acústicas y voces limpias que nos traen el recuerdo de su anterior banda pero por lo general la rabia y la fuerza de la batería y las guitarras nos demuestran una violencia sonora que no estaba presente en Agalloch, la manera de cantar de Haughm es también más fiera que antaño y por lo tanto más acorde con este estilo.

Quizás de primeras el disco no sorprende por mostrarse algo estándar pero luego se va descubriendo que atesora una gran calidad. By The Light Of A Black Sun es el comienzo y vemos esas similitudes con algunas guitarras acústicas al principio y también en segundo plano, pero donde todo se va volviendo más violento y los blastbeats van apoderándose poco a poco de la canción. También hay algún toque atmosférico como al final de la canción que de nuevo nos vuelve a recordar a que banda pertenecía Haughm.

Con un majestuoso comienzo nos recibe Archaen Divinity que poco a poco se va volviendo más melódico y tira del black más rápido y dañino. Sorprende y a la vez se agradece que Haughm no se haya dedicado simplemente a copiar a su banda madre pero que a la vez haya aportado nuevos matices que le den personalidad propia. The Vestige Of Thorns es uno de los mejores temas, de nuevo con esa mezcla entre atmosférico y melódico que le da al sonido un aire entre maligno y misterioso y donde Haughm canta de manera limpia esta vez en algún momento.

Forged Iron Crucible entra a piñón, con ritmos veloces que se entremezclan con arpegios acústicos que le dan un aire muy característico y es aquí donde el disco empieza a ganar y a ganarnos. Muy buenas esos acordes blacker que se alternan con las típicas guitarras a tope de tremolo. Lo mismo que con A Stygian Pyre que enlaza de manera perfecta con The Sentien Arcanum, interludio que se sucede con el último tema, Dark Is The River Of A Man, la canción más Agalloch de todas, con voces limpias y más pasajes acústicos, lenta y solemne que termina el álbum por todo lo alto.

Muy buen debut que promete y apunta muy alto y aunque dé pena que una banda con tanta calidad como Agalloch lo haya dejado quizás los fans hayamos ganado otros dos grupos que si por lo menos no llegan a cotas tan innovadoras por lo menos nos augurarán seguro grandes momentos. Este es el primero.

-Lo mejor: Un paso hacía delante con guiños a su pasado.
-Lo peor: Su sombra de nostalgia.

NOTA: 8

Tracklist:

1. By The Light Of A Black Sun (08:23)
2. Archaen Divinity (06:44)
3. The Vestige Of Thorns (08:45)
4. Forged Iron Crucible (07:08)
5. A Stygian Pyre (05:07)
6. The Sentient Arcanum (02:43)
7. Dark Is The River Of Man (09:31)