Número de visitas

martes, 3 de octubre de 2017

Chelsea Wolfe - "Hiss Spun"

Dark 

"Reinventando la oscuridad"

Si alguien me dijera que disco me hubiera gustado reseñar en este blog que no hubiera hecho, uno de esos discos sería Abyss, la anterior maravilla de Chelsea Wolfe. Descubrí a Chelsea Wolfe con Pain Is Beauty, disco que precedía a Abyss, y aunque me gustó tampoco fue como para alucinarme. Sin embargo con Abyss la cosa cambió, un disco lleno de oscuridad, desolación y desesperanza, que jugaba con sonidos industriales, atmósferas opresivas y ritmos tenebrosos, todo acompañando a la susurrada voz de Wolfe. Nada en ese disco tiene desperdicio, cada canción tiene su sentimiento y es precisamente un canto que te dirige al abismo.

Sabemos que muchas veces después de que un artista dé la campanada sus posteriores discos al no causar ya tanta sorpresa, ya nos acostumbramos y no nos impacte tanto como la primera vez. Después de un éxito, que camino seguir, optar por la misma senda y apostar sobre seguro o reinventarnos de nuevo una vez más para no repetir los mismos esquemas. La realidad es que no hay ciencia exacta para este dilema.

Chelsea Wolfe ha optado por dar un paso de manera inteligente, me daba la sensación sobre todo con Pain Is Beauty que parecía no decantarse por un estilo en concreto y por eso a pesar de que muchas canciones eran buenas iba tocando un palo y otro sin determinar su propio estilo. Abyss por eso sonaba más sólido, más seguro y más capaz de sus propias posibilidades. Con esta nueva entrega se percibe esa seguridad, esa confianza de que el riesgo tomado la abrirá muchos caminos. Los metaleros la queremos con nosotros.

Con Hiss Spun la música de Chelsea Wolfe se vuelve más oscura que nunca, más ruidosa y a la misma vez más experimental. Es el disco más cargado de distorsión de guitarras hasta ahora en su carrera y eso hace que en ocasiones algunas lleguen a acercarse el post-metal o al doom. Más que nada en concepto y en las estructuras que siguen que en centrarse en la contundencia.

Spun, el primer tema, abre ya con un acople de guitarra y un bajo potente que sigue un ritmo casi marcial. La voz de Chelsea suena aguda y tenebrosa, donde dibuja junto con una guitarra solista la cual hace una extraña melodía que consiga crear un ambiente de pesadilla gótica. 16 Psyche fue el primer adelanto donde ya apreciamos que las guitarras iban a estar muy presentes con ese arpegio de guitarra que será muy difícil sacárnoslo de la memoria.

Vex es uno de los temas que más sorprenden, corto pero intenso, volviendo a inundar de oscuridad experimental todo el ambiente y volarnos la cabeza al final con las voces guturales de Aaron Turner. Strain es un interludio que podría estar perfectamente en una película de David Lynch acompañando a sus siempre inquietantes imágenes. Esta da paso a otro de los temas más interesantes del disco que puede recordar un poco a los aparecidos en Abyss y que parece que vaya a moverse por texturas calmadas hasta que casi al final unos bizarros ritmos de batería y sonidos no se si muy bien de guitarras vuelven a descolocar.

Particle Flux es de combustión lenta, va subiendo poco a poco en intensidad hasta que se vuelve rápida, otra vuelta de tuerca que de nuevo no te esperas, con las guitarras a tope de distorsión de nuevo. Que maravilla de composiciones, todas tienen algo que rompen con la canción en un momento dado. Con Twin Fawn de nuevo lo mismo, parece una balada calmada y pausada que quedara de nuevo en eso y ya está; pero no, una vez más las guitarras de carácter ruidista vuelven a aparecer y llevan la canción a convertirla en otra cosa que ya nada tiene que ver, atentos de nuevo a un final espectacular.

Cierto aire a Pain Is Beauty con algo de electrónica encontramos en Offering, esta vez si una canción más sencilla pero con unas preciosas melodías vocales, que me recuerda también a Nine Inch Nails y que hace que sea una de las canciones más tatareables, aspecto que no tienen las otras. Otra siniestra línea de guitarra de nuevo nos introduce otra vez en una larga caida en Static Hum con Chelsea casi susurrando dejando que el aire se vaya volviendo asfixiante.

Llegamos al final con Welt, otro interludio podría decirse, donde unas tenebrosas notas de piano acompañan a la voz cargada de eco de Chelsea. Two Spirit suena a amarga despedida con unos acordes de guitarra acústica, una dark-ballad que de nuevo en su parte final, los acoples y la distorsión cargan el ambiente, saturándolo  y retorciéndolo. Scrape, la última canción empieza con extraños sonidos y la voz de Chelsea se vuelve algo más profunda en ocasiones mientras que en otras suena muy aguda, casi enfermiza y nos deja descolodados ante la nueva joya que hemos escuchado.

Hablar de Hiss Spun pregúntandonos si supera a Abyss sería equivocarnos ya que esto es otra cosa. Cada disco tiene ahora algo que me atrae. Pain Is Beauty es distinto a Abyss y con la perspectiva del tiempo convierten a este primero en un disco muy interesente, que ha mejorado con el paso de los años. Abyss fue una apuesta de lleno por la oscuridad, rico en ambientes oscuros y texturas lentas. Hiss Spun es tenebroso, amenazante y opresivo, cargado de sonidos saturados y que apuesta con coquetear con influencias que se encuentran en el metal. Una reinvención que convierte a Chelsea Wolfe en lo que siempre quisimos que fuera pero que parecía no llegar.

-Lo mejor: Los cambios rupturistas en cada canción.
-Lo peor: El cambio hacía sonidos más radicales no gustará a todos.

NOTA: 8

Tracklist:

1. Spun (05:29)
2. 16 Psyche (04:19)
3. Vex (03:02)
4. Strain (01:14)
5. The Culling (06:01)
6. Particle Flux (04:53)
7. Twin Fawn (06:07)
8. Offering (02:50)
9. Static Hum (04:21)
10. Welt (01:55)
11. Two Spirit (05:04)
12. Scrape (03:04)




viernes, 25 de agosto de 2017

Paradise Lost - "Medusa"



Gothic/Doom

Vista ahora con perspectiva, la carrera de Paradise Lost ha pasado se aprecia muy interesante; empezando por una banda que reinventó el género doom y gothic hasta ir abriéndose a caminos más accesibles hasta llegar a convertirse en un grupo de música electrónica para luego poco a poco ir endureciendo su sonido hasta llegar de nuevo a sus inicios más oscuros. No diré que Paradise Lost suena ahora exactamente igual que lo hacían en álbumes como Lost Paradise o Gothic pero si que miran directamente a sus comienzos y es en esos primeros discos donde encontramos a los Paradise Lost que más se les asemejan.

Ritmos lentos, riffs pesados y guitarras que dibujan melodías desoladoras, mientras la voz de Nick Holmes escupe sus guturales y solo muy de vez en cuando nos regala sus registros más limpios. Un Holmes que ha mejorado en los guturales con respecto al anterior The Plague Within donde hay momentos en que la verdad lo da todo y aunque ya no suene como en sus inicios hace un papel más que digno.

Metiéndonos de lleno ya en el disco, este comienza con Fearless Sky, que se convierte en un perfecto resumen de lo que contendrá, esa lentitud de antaño, las reconocibles melodías de la guitarra de  Mackintosh y un ambiente muy oscuro. Aunque no sea lo que predomina, algunos temas son algo más rápidos, como From The Gallows, donde la distorsión de las guitarras me suenan muy parecidas al otro proyecto del guitarrista, Vallenfyre, grupos que cada vez se parecen más entre sí.

Temas más directos y otros de corte más elaborado, como el adelanto que ya habíamos escuchado, The Longest Winter, que ya nos hacía intuir que este disco iba a ser aún más extremo que el anterior sobre todo por decantarse por ese sonido más doom tan olvidado. Medusa, el tema que da título a esta obra es también largo, con guitarras que parecen arrastrarse por el fango, notas tenebrosas de piano y un gran estribillo.

Según mis gustos el disco se hace un poco monótono, por centrarse demasiado a mi modo de ver en los parámetros del doom, sin salirse de ellos, a pesar de que lo hagan como nadie y también quizás porque sea de los menos arriesgados de toda la carrera de Paradise Lost, sonando totalmente continuista con respecto al anterior. Eso sí, para todos los que alguna vez echasteis de menos el regreso de las voces guturales y los Paradise Lost más extremos disfrutareis con esta segunda juventud.

-Lo mejor: Sigue siendo curioso ver a unos Paradise Lost tan extremos.
-Lo peor: Demasiado homogéneo.

NOTA: 7

Tracklist:

1. Fearless Sky (08:30)
2. Gods Of Ancient (05:50)
3. From The Gallows (03:41)
4. The Longest Winter (04:33)
5. Medusa (06:20)
6. No Passage For The Dead (04:16)
7. Blood & Chaos (03:51)
8. Until The Grave (05:41)



jueves, 17 de agosto de 2017

Stone Sour - "Hydrograd"

Metal alternativo

"Brillante"

Con sus dos grupos, Slipknot y Stone Sour, Corey Taylor ha sido capaz de situarlos a la par, todavía Slipknot son más grandes (y quizás siempre lo sean) pero en términos de calidad ambos están empatados si obviamos que género musical nos atrae más. A pesar de los golpes y las adversidades ambos grupos se mantienen a flote y un huracán llamado Corey Taylor tiene muchísima culpa de todo esto.

Es increíble como es capaz de transmitir sensaciones con su voz, muy presenta con su timbre agresivo, cada vez menos gutural pero más rasgado y sobre todo cargado de mucha mala baba. Adoro su versatilidad, como en una misma canción la potencia, la melodía y la rabia van cambiando según las necesidades de la composición.

Sin Jim Root esta vez, ya fuera del barco, también guitarra de Slipknot, sustituido por Christian Martucci la verdad es que encuentran su sustituto perfecto y el grupo desarrolla su estilo sin ningún tipo de barreras. Puede hacerse un pelín largo este Hydrograd por el número de canciones pero es que todas se disfrutan de lo lindo una vez nos vamos metiendo de lleno en el disco y asimilándolo.

Una intro con una calurosa acogida (Hello you bastards!) nos mete poco a poco en el sonido del disco para conectarnos con una genial Taipei Person/Allah Tea donde un riff muy heavy nos da la bienvenida junto con la poderosa y enfadada voz de Corey. Siempre había partes de Stone Sour que me acababan recordando a Slipknot pero esta es la vez que menos me ha pasado. Estribillos poderosos y partes que se grabarán en la memoría como en Knievel Has Landed o en un temazo como es Song#3 donde las líneas vocales y su fuerza hacen de ella desde ya una de las mejores canciones de la banda.

Quizás haya otros temas que pasen más desapercibidos, como son los de la mitad del disco, por ejemplo The Witness Trees o St Marie pero en todos siempre hay alguna parte positiva que rescatar, que si una batería increible, un solo de guitarra o de nuevo la pasión con la que nos canta Corey.

El disco podría pasar sin pena ni gloria sino fuera por una última parte donde el sonido se endurece y las canciones pasan a ser más rápidas, ahí está Whiplash Pants que suena aplastante con un Corey muy cabreado o Somebody Stole My Eyes donde el metal pasa a adueñarse y tomar el timón del barco y la manera en que se dirigen. Un perfecto cierre de disco con When The Fever Broke que de primeras es eclipsada por otras canciones pero que con el tiempo también se convierte en otro de los temas top. Aquí la oscuridad y la melancolía así como una sensación de cansancio despiden este Hydrograd.

Me daba pereza escuchar este Hydrograd, y no sé porqué, ya que todos los discos de Stone Sour siempre me han gustado mucho, así que Corey, prometo no volver a dudad de tí.

- Lo mejor: Que todo suene tan sincero.
- Lo peor: Puede que un menor número de canciones hubiera hecho el conjunto más sólido.

NOTA: 8

Tracklist:

1. Ysif (02:02)
2. Taipei Person/Allah Tea (05:16)
3. Knievel Has Landed (04:01)
4. Hydrograd (04:37)
5. Song #3 (04:16)
6. Fabuless (04:00)
7. The Witness Trees (04:45)
8. Rose Red Violent Blue (This Song Is Dumb & So Am I) (04:56)
9. Thank God It´s Over (03:36)
10. St. Marie (04:27)
11. Mercy (03:23)
12. Whiplash Pants (04:19)
13. Friday Knights (05:17)
14. Somebody Stole My Eyes (03:47)
15. When The Fever Broke (06:32)




sábado, 17 de junio de 2017

Sólstafir - "Berdreyminn"

Post-metal

"Desolación como bandera"

Con su anterior Otta, los islandeses Sólstafir encontraron la tecla perfecta, aquel sonido que había evolucionando desde su primigenio black metal hasta desembocar en un rock con tintes progresivos pero sobre todo con un marcado carácter ambiental, todo inspirado en su amada Islandia, que nos hacía evocar sus fríos y desolados paisajes.

Este nuevo Berdreyminn lleva la evolución de Sósltafir solo un pequeño paso más allá. Mientras que Otta sorprendía de primeras y a la vez presentaba un disco lleno de matices que se descubrían poco a poco, quizás aquí el efecto sorpresa sea nulo y a la vez sigue siendo un disco en el que hay que volver a introducirse para poder desgranar en toda su esencia. No sorprende de primeras pero si gana en calidad a medida que vamos dándole más oportunidades. Puede incluso que al final a pesar de su continuidad vaya un paso por delante y al final signifique llevar el sonido del grupo más allá, algo que en las primeras tomas de contacto no parece que sea así.

En ocasiones también hay algo de inmediatez, con guitarras algo más duras, como en el comienzo del disco, con Silfur-Refur, donde se alternan las partes lentas con las más rockeras. El trabajo de las guitarras vuelve a ser espectacular y la banda disfraza su sonido a veces para hacerlas más ambientales y que beben del post-rock acercándose también al post-metal. Las melodías vuelven a ser un lujo al escuchar a estos islandeses, como ya pudimos apreciar en el adelanto Isafold, donde las guitarras dobladas brillan como nunca.

El tema que más he acabado apreciando y que podríamos decir que se ha convertido de mis favoritos es Hula, explotando como nunca esos ambientes fríos pero a la vez épicos. Mucho tienen que ver esos coros al principio y al final, uno de los momentazos que más he disfrutado. Todo parece avanzar lentamente como en Naros, para en ocasiones recuperar algo de la velocidad de antaño. Esas guitarras acompañadas de una base rítmica poderosa me ha recordado a veces a su anterior Svartir Sandar.

Llegando a la mitad del disco el piano coge un poco más de protagonismo como hacía en Otta pero de nuevo vuelve a mezclarse con esas distorsiones de guitarra que ya empiezan a convertirse en señas propias de Sólstafir. Aunque todo parece transcurrir lentamente, como si el tiempo se parara en ocasiones, hay lugar para notar que su música se va volviendo cada vez más progresiva con el tiempo.

Las guitarras más duras vuelven a recuperarse un poco al final del disco en las dos últimas canciones Ambatt y Blafjall, dejando al disco cargado en su parte final. Incluso hay un pequeño lugar para un riff metalero que suena como nunca para despedirse hasta otra. Para seguir atrapándonos hasta que llegue la siguiente maravilla de estos geniales músicos islandeses. Seguid cantando siempre en vuestro idioma, que nunca os tiente cantar en inglés.

-Lo mejor: Al final te das cuenta que aunque poco llevan su evolución hacía adelante.
-Lo peor: Que de primeras no parezca ser un disco tan bueno como lo era el anterior.

NOTA: 8,5

Tracklist:

1. Silfur-Refur (06:54)
2. Isafold (04:58)
3. Hula (07:07)
4. Naros (07:23)
5. Hvit Saeng (07:22)
6. Dyrajföröur (07:31)
7. Ambatt (08:08)
8. Bafjall (08:00)


jueves, 1 de junio de 2017

Anathema - The Optimist

Rock progresivo

"Cuando sumar es restar"

Intuía el rumbo que iban a tomar Anathema con este álbum, ya en la crítica de su anterior disco, creía que iban a introducir más electrónica después de haberse atrevido tímidamente. Por eso no me sorprendió la primera toma de contacto con este nuevo The Optimist, donde los ritmos pregrabados y algunos sintetizadores ya campan a sus anchas. No obstante pareciera que la banda tampoco es que haya arriesgado mucho en su sonido y normalmente se mueve sin salir de su zona de confort.

El disco funciona como un bloque y tiene cierto toque cinematográfico, sobre todo por esos interludios donde se escuchan pasos o respiraciones para que nos imaginemos una cierta historia. Lo que más me ha llamado la atención son las influencias de Radiohead en estos toques electrónicos de los que hablabamos, Leaving It Behind, el primer tema propiamente dicho obviando la intro, ya introduce esos pasajes y texturas para ir sumando capas y más capas de instrumentos. Recurso este, el de ir superponiendo capas que será norma general para hacer crecer los temas, como sucede de nuevo en el siguiente, Endless Ways.

El tratamiento de las voces me ha dejado un poco descolocado, Lee Douglas vuelve a ser muy protagonista y esta vez Vincent hace un papel un poco más secundario, pero no es eso, sino que mientras en otros discos parecía que exprimían todo su potencial aquí suenan muy acomodadas e incluso las noto muy tratadas en estudio. Otro aspecto que me ha dejado a medias son las melodías, las primeras veces que las escucho me gustan, pero sin embargo se enredan en ellas y no evolucionan, se estancan en la repetición, claro ejemplo es el final de The Optimist que parece que va a dar un cambio en un gran final, pero este nunca llega.

Que poco me gusta la palabra relleno en los discos, pero es que aquí lo hay, se llama San Francisco, donde esas notas de piano se repiten ad infinitum por mucho que la banda meta más y más capas de instrumentos o texturas, el peor tema de todo el disco, así de claro. Can´t Let Go a pesar de ser bastante mejor tema es otro tipo de canciones donde parece que el sumar más implica aumentar la calidad, algo que en este disco no ocurre.

No todo es malo, ojo, Springfield, el primer adelanto, es bastante interesante con esas notas de piano sobre las cuáles se construye la canción e incluso se nota algo de potencia a las guitarras, algo que ya se echa de menos de vez en cuando. Close Your Eyes es preciosa también, a pesar de que no me toca la fibra sensible, no se, ninguna canción aquí lo ha conseguido y eso es una característica muy importante de Anathema. El tufo a Radiohead aquí es demasiado claro, pero no queda del todo mal, pero es que vuelve a terminar sin pena ni gloria.

Disco que me deja a medias en todos los aspectos, las canciones parecen que van a ser grandiosas y se estancan, no crecen, avanzan y cuando terminan te quedas igual. Quizás muchos no estéis de acuerdo conmigo (eso es lo bonito de la música) pero veo a Anathema con un sonido que empezó a desarrollarse en el álbum We´re Because We´re Here y del que parecen no querer salir para no arriesgar. Con las ganas que le tenía a este disco y que me haya dejado así...

-Lo mejor: Hay melodías que dan en el clavo de primeras.
-Lo peor: Esa reiteración por sumar elementos a las composiciones.

NOTA: 6

Tracklist:

1. 32.63N 117.14W (01:17)
2. Leaving It Behind (04:27)
3. Endless Ways (05:52)
4. The Optimist (05:35)
5. San Francisco (05:02)
6. Springfield (05:56)
7. Ghosts (04:17)
8. Can´t Let Go (05:04)
9. Close Your Eyes (03:40)
10. Wildfires (05:40)
11. Back To Start (11:47)






martes, 23 de mayo de 2017

Exquirla - "Para Quienes Aún Viven"

Post-rock/Flamenco

"Para los que áun recuerdan emocionarse"

Como todos sabéis pues es evidente que llego tarde a esta crítica, Exquirla es la unión entre Toundra y Niño de Elche. A pesar de mi tardanza por escribir, ya no solo sobre este disco, sino en general, no podía hacer que dejase de lado el disco más interesante que he escuchado hasta ahora en lo que va de año. Primeramente decir que he escuchado todos los discos de Toundra pero nunca me habían alucinado tanto como aquí; ya del Niño de Elche ni hablamos pues su voz de corte aflamencado me repelía.

Lo bueno de este disco es que la unión de ambas personalidades encajan a la perfección y el disco nos ofrece momentazos que lo hacen una obra brillante, más allá de géneros y derribando todo tipo de prejuicios. Las canciones cuentan con una emoción, una intensidad y una fuerza de una manera la cuál hacía mucho que no escuchaba. Algunas veces este torrente de sensaciones se nos transmitirá a través de la melodías de Toundra, otras a través del sentimiento que le imprime el Niño y también en la combinación de ambas.

Todo va subiendo en Canción de E, a modo de intro, con unos versos recitados, obra del poeta Enrique Falcón, que junto con las guitarras de Toundra enseguida nos mete en esta ola arrebatadora que han creado. Seguidamente comenzará Destruidnos Juntos donde las letras y las melodías vocales se salen, pura fuerza y emoción con una banda que instrumentalmente creo que hace su mejor trabajo y que seguro que les ha venido de maravilla este experimento para ampliar sus inquietudes como músicos. Todo fluye con calma, sin prisa viajando a través de unos textos poéticos que no abandonan la crítica.

Hijos De La Rabía tiene una ambientación magnífica, con esas guitarras que podrían haber firmado un grupo como Tool pero que se ensambla de nuevo con el timbre de voz del Niño. Un tema que crece poco a poco una vez más para que el oyente disfrute sin que sepa que le va a deparar su final. Un final bellísimo, con unos arpegios y melodías de guitarras limpias que ponen los pelos de punta. Nunca disfruté tanto ni me emocioné con un disco de Toundra tanto como en este.

Interrogatorio es una canción corta pero que cumple con la función de hacernos avanzar moviéndonos por el mismo tipo de melodías para encajar con la siguiente, El Grito Del Padre, más experimental en su comienzo con la inclusión de instrumentos de cuerda y voces de fondo. El único pero que puede ponerse en ocasiones es no entender algunas veces lo que se dice, pero bueno, es muy de vez en cuando, lo que no mancha para nada una obra de tal calibre.

Contigo ahonda en la cara más experimental, para mí el momento más bajo del disco pero luego da paso a una de las mejores canciones de todo el redondo junto con la última también. Un Hombre es la fuerza hecha canción, una calma que precede a la tormenta, donde las dos caras del sonido que componen esta música se funden entre ellas para llevar a cabo uno de esos momentos que se nos graban en la memoria a fuego. Lo mismo ocurre con Europa Muda y sus inspiradísimas melodías. Seré pesado, pero vaya letras, hermosas, desgarradoras, que encierran una melancolía y una tristeza que se creen y que se sienten tanto al ser cantadas como al ser escuchadas.

Para que luego se diga que la originalidad en el mundo de la música se perdió hace mucho tiempo. Aún hay momentos en que algunos discos nos cambian para siempre. Este será recordado por mucho tiempo. No se si esta unión habrá empezado y acabado aquí, si así fuera, seguro que la magia de este disco será reconocida aún más en el futuro, si tenemos segunda parte será interesante saber hasta podrán llegar.

- Lo mejor: Todo. Belleza y emoción a través de la música y sobre todo de las letras.
- Lo peor: Esas letras que a veces cuestan entender.

NOTA: 10

Tracklist:

1. Canción de E (02:55)
2. Destruidnos Juntos (08:57)
3. Hijos de la Rabia (09:00)
4. Interrogatorio (01:42)
5. El Grito Del Padre (08:52)
6. Contigo (03:23)
7. Un Hombre (10:00)
8. Europa Muda (10:23)


lunes, 24 de abril de 2017

Mastodon - "Emperor Of Sand"

Metal progresivo

Como cualquier grupo grande que se precie con una larga trayectoria, un nuevo disco de Mastodon siempre está destinado a dividir a sus fans y a generar un poco de controversia. A un lado los que echan en falta a los Mastodon más brutos y progresivos y por otro a los que se decantan por esta etapa más orientada a la melodía. Esta crítica llega tarde y el disco está ya muy escuchado así que todos sabréis que el grupo sigue su evolución, aunque bien es cierto que se recuperan algunos momentos progresivos y también bastante cañeros, todo dentro de una nota predominante de melodía.

A diferencia de Once More ´Round The Sun que entraba de primeras, este nuevo Emperor Of Sand precisa de más escuchas para ir desgranando todo su contenido y es lo mejor de este, ya que el disco va creciendo en calidad y detalles a medida que más nos adentramos en él.

Sin sorpresas para empezar, con un tema como Sultan´s Curse que cuenta con riffs potentes y buenos solos y donde se alternan las voces de los 3 cantantes. Es una canción que une lo mejor del pasado y presente de la banda, una gran potencia sin abandonar la melodía. Sin embargo otras canciones como Show Yourself puede llegar a pecar de simple en estructura, por otra lado cosa que Mastodon poco a poco ha ido decantándose con el tiempo. Se salva por un gran solo y porque no hay que negar que las melodías se nos clavan a fuego en la memoría. Lo mismo con Ancient Kingdom pero esta si que suena más épica y elaborada, mucho más compleja en estructura.

Pequeñas pinceladas del progresivo de su pasado como en Precious Stones con muy buenos estribillos donde las voces vuelven a complementarse, sobreproducidas para no flojear como les suele ocurrir a veces en sus directos. El trabajo de guitarras es espectacular sobre todo por la gran cantidad de sonidos y vueltas de tuerca que encontraremos. Lo mismo en Steambreather, con un riff adictivo que se nos volverá a clavar en la retina y quizás uno de los temas más representativos de este disco.

La parte final es la mejor para mi gusto porque sin abandonar el sonido que predomina el disco, recordemos que este es conceptual como tanto les gusta, nos regalan momentazos más agresivos, como los riffs de Andromeda y cuando aceleran metiendo más velocidad a los ritmos. Scorpion Breath con el gran Scott kelly de Neurosis que prácticamente es cantado por él en su totalidad y donde de nuevo se decantan por una canción corta pero veloz y con mucha fuerza. Jaguar God juega también con la ambigüedad de creernos que una canción lenta cerrará el disco por esas voces y arpegios limpios de guitarra, pero no obstante se enredan en miles de notas de corte progresivo que hace las delicias de su virtuosismo con las guitarras.

Es un disco de más lenta digestión que el anterior, que cuesta que crezca, pero que encierra más tesoros escondidos. De las mejores virtudes que posee este nuevo lanzamiento es que cuenta con un sonido que se convierte en reconocible y a su vez no reniega de la personalidad de la banda.

-Lo mejor: La mezcla entre sencillez y complejidad.
-Lo peor: Algún tema como Show Yorself por ejemplo está metido un poco con calzador.

Tracklist:

1. Sultan´s Curse (04:09)
2. Show Yourself (03:02)
3. Precious Stones (03:45)
4. Steambreather (05:03)
5. Roots Remain (06:28)
6. Word To The Wise (04:00)
7. Ancient Kingdom (04:54)
8. Clandestiny (04:28)
9. Andromeda (04:05)
10. Scorpion Breath (03:19)
11. Jaguar God (07:56)